「作家・美術館・世界（鑑賞者）」の3者を結び、つながりを深める

京都市左京区・岡崎公園。平安神宮や京都国立近代美術館など、重要文化財や文化施設が集まるこの地域に位置する京都市美術館もまた、歴史ある美術館だ。昭和天皇即位の大礼を記念して建築計画が始まり、1933年（昭和8年）に開館したその建物は、公立美術館として日本で現存する、最も古い建築としても知られている。

2017年、通称を「京都市京セラ美術館」とするネーミングライツ契約を京セラ株式会社と締結後、大規模改修を開始。2020年5月、リニューアルオープンした。

リニューアルを手がけたのは、建築家・青木淳氏（後に同美術館の新館長に就任）と西澤徹夫氏。創建当時の和洋が融合した本館のデザインを最大限に保存しながら、現代的なデザインを加え、新たな美術館として生まれ変わらせている。

新たに加わった展示スペースのひとつが、「ザ・トライアングル」だ。その名称は、地上部分（北西エントランス）の形状、さらには、「作家・美術館・世界（鑑賞者）」の3者を結び、つながりを深める拠点となるよう名付けられた。

「VR元年といわれていた2016年頃、VRは他人と意識を共有するためのメディアだ、というような言われ方をしていました。でも実際、体験を共有することはできない。身長や見る角度によっても異なるから、同じものを見ているんだけど、体験は共有されないんです。そこが面白いなと思っています」

今回の作品は、展示室であるホワイトキューブの世界と、水に満たされた世界との間をループするような構成になっている。映像に入るタイミングでも全く異なる体験に感じられそうだ。

VRは “絵を描くための、そして説明するための手段”

木村さんが広くアート界で知られるきっかけとなったのは、現代芸術振興財団が実施しているCAF賞。日本全国の学生を対象としたアートアワードで、2017年に最優秀賞を受賞した。2018年には副賞として、関東初となる個展「dreamのあとから（浮遊する絵画とVRの不確定）」を開催。今回が美術館での初個展となる。

3DCGやVRといったデジタル技術と、キャンバスに絵具で描く従来の画法を行き来しながら作品をつくることを特徴とする木村さん。デジタル技術を用い始めたきっかけには何があるのだろう。

「僕が生まれた1996年頃に、3DCGアニメーションが登場したんです。子どもの頃からそれを見て育ったこともあって、初期3DCGアニメーションの質感がすごく好きで。それを絵で描こうと試行錯誤してきました」

試行錯誤の過程でたどり着いたのが、ロウソクのロウ（パラフィン）を使って描くこと。ロウで立体的に盛り上げて絵を描くと3DCGのようになることを発見する。

「大学の4回生頃に、デジタルフォトグラメトリー※の技術を用いて、ロウで描いた絵を3Dスキャンしていたんです。画像データをゲーム開発ソフトに入れると3DCGの絵になる。それをどうやって見せていこうか考えたときに、VRになっていきました」

※被写体をさまざまなアングルから撮影し、デジタル画像を解析・統合して3DCGモデルを作成する手法のこと

3DCGが好きで、それを表現してもっとわかりやすく見せたいーーそのためのツールとして行き着いたのが、VRだった。

「VRは絵を描くための、そして説明するための手段です」

今回のVR作品も、ひとつの独立した作品でありながら、キャンバスの絵の説明を担っている。

「キャンバスには、どうやって描いたか、あまり痕跡を残さないようにしている部分があります。それをVRで見ると、実はここはこうやって描きたかったんだなとか、こういう重なりで作っているんだなということがわかるようになっています」

そう話す木村さんは、新しい技術を用いながらも自分はあくまでも画家だと言う。

「僕が考える良い絵の定義は、長時間見ることができる絵なんです。例えば印象派の絵だったら、遠目に見たらオレンジや女性、などのモチーフが見える。でも、近づいたら絵具の粒が見える。そのギャップで長時間絵を観ることができます。僕の絵も、VRを見たら、もう1回キャンバスの絵を見てみよう、という鑑賞体験になるように作っています。絵を見るというのは、本当に難しいことなので、VRの作品が鑑賞者にとって少しでも絵を楽しく見るきっかけになったら嬉しいですね」

「ザ・トライアングル」では、個展を開くアーティストに、地上の「北西エントランス」を舞台とする作品の展開を視野に入れるとのことだが、木村さんにとってもそれは新しい挑戦だった。

縦構図を得意とする木村さんにとって、実は横長のガラス面は当初描きづらさも感じたのだという。

「縦構図の方が、視点誘導の難しい絵を作りたいと思ったときに理想的なんです。横構図だと風景になってしまうことが多くて、鑑賞者が風景だと感じてしまうと僕が求めているものではなくなってしまう。もう１つは壁画というサイズ感になると、構図が見えづらくなってしまうんですよね」

そうした苦手意識を乗り越えて描いたのは、格子模様だった。

「格子模様を描くと、ひとつひとつ絵のルールを持った四角形が生まれてくるので部分的に見ても、絵具の行為性と構図の絵として見えます。 当初は全て格子で仕上げようとしたんですけど、途中でもっと難しく描きたいという欲が出てきて。美術館の人たちにも内緒で変更しました(笑) 入口から時計回りに絵が複雑になっているんです。難しかったですが、挑戦出来てよかったです」

描いた当時を振り返る声には達成感がにじむ。

そうやって描かれたガラス面の作品は、公園内を彩る木々と同化する。まるで周囲の風景を見るためのフィルターのようだ。それはVRとキャンバスの作品の関係にもつながるように感じた。

「思いのほか、親和性がありましたね。ガラスに描いても、なんとなくVRっぽいデジタルの雰囲気もあるなと」

「現代に生きてる中で、体感しているリアリティみたいなものは、取り入れないと作品にならないですよね。それを僕が取り入れようとすると、メディアになるというだけです。

自分の絵の理論が揺るがされて、なおかつイメージしたように描くことができる。その方法が見つけられたら、どんなものだっていいと思っています」

制作をする根源には、どんな思いがあるのだろう。

「“何か面白い絵が描きたい”ということですかね。絵をつくったり見たりするアプローチとして、まだ見たことない何かを探しています。僕は、誰も見たことのない新しい絵の見せかたをしていきたいんです」

ただ純粋に絵を描くことに対する表現方法と向き合い続ける木村さんの力強い言葉には澱みがない。表現することは生きることなのだと言うように真っ直ぐな様子に鳥肌が立った。